Энди Уорхол ( Andy Warhol) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, издатель журналов и кинорежиссёр, заметная персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale».
Скорей всего вы точно видели одну из его картин: «Marilyn»
Художник приложил руку к рекламным компаниям таких известных производителей как Кока-кола, суп Кэмпбелл, кетчуп «Хайнц» и т.д. он поистине считается создателем такого направления в искусстве как «коммерческий поп-арт».
Энди Уорхол (Andy Warhol)
В процессе своего творческого развития автор, все чаще начинает помимо обличения и прославления культуры потребления, обращаться к вечной теме жизни и смерти. В 1962 году он начал работу над масштабным циклом «Смерть и катастрофы» (Death and Disaster). Картины, представляющие собой вырезки из газет и журналов, демонстрирующие боль, страдания, страх, были и являются чем-то совершенно новым, кардинально отличающимся от долларовых банкнот и консервных банок, но при этом они удивительным образом несут в себе ту же идею, тот же посыл, что и остальные работы художника. Смерть для американцев – это такая же обыденность, как и бутылка «Кока-Колы».
«Целую неделю хоронили школьников»: 30 лет самой страшной катастрофе в истории России
129 Die in Jet, 1962, acrylic and pencil on canvas Первое изображение серии “Смерть и катастрофы”
Энди Уорхол высоко оценивал все формы СМИ и коллекционировал газеты, журналы, даже рекламные проспекты. Он осознал, какую власть имеют эти силы над умами общества, как один-единственный снимок может изменить сознание целого поколения. Используя свой талант, он умело поставил СМИ к себе на службу, используя шокирующие снимки из журналистских материалов в качестве основы для своего искусства. При этом автор не изменял своему стилю — в этих работах узнается все тот же Энди Уорхол, но с другой, принципиально новой стороны.
‘Death and Disaster’ 1962
Автор считал, что все те фотографы, поставляющие раз за разом новые снимки катастроф, в своей массе являются срезом общества, а именно постоянным молчаливым очевидцем ежедневных страстей, смертей, ужасов. Нам нужно принять, что все эти вещи являются частью жизни и нам придется считаться с ними.
Race Riot and Pink Race Riot
Те или иные образы подчас не содержат в себе ничего отвратительного или отталкивающего, но в то же время являются глубоко символичными, являются образом смерти и катастрофы. Смерть столь же многогранна как и жизнь.
“Tunafish Disaster,” 1963
«Авария зеленой машины»
«Электрический стул». Основой для картины послужил газетный снимок 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили американцев Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза (их обвинили в передаче СССР американских ядерных секретов).
От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты остро ощущаются ужас, страх, мучения жертв. От картин веет жуткой, пробирающей тишиной. Ремни висят так, будто мертвого только что сняли с орудия казни. Благодаря технике шелкографии, Уорхол смог добиться эффекта размытия, делающего работы еще более ужасающими
Последние слова машиниста
“ Авария серебряной машины (Двойная катастрофа)” Слева- серия из 15 фотографий аварии, справа — большой серебряной прямоугольник. В свое время это был новаторский для всего мира искусства ход — кинематографическая иллюзия смерти на серебряном экране
«Шестнадцать Джеки». Счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди чередуются с полными скорби снимками, сделанными во время похорон её мужа. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и умение (или, как правило, неумение) людей дистанцироваться от ее воздействия, находить в себе силы жить дальше, ставить новые цели, задачи и ставить жизненные ориентиры. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, — говорил художник, — они перестают оказывать на тебя эффект».
«Катастрофа с тунцом» («Миссис Маккарти и миссис Браун»). Работы Уорхола с поразительной достоверностью передают боязнь увечья и смерти, которые художник всегда испытывал. Блестящая иллюстрация этого – «Катастрофа с тунцом» («Миссис Маккарти и миссис Браун»), где воспроизводятся газетные фотографии и текст статьи о двух женщинах, умерших от отравления, а также изображена смертоносная банка с тунцом Ahttps://dzen.ru/a/YdcZBwMdjAi7i-eu» target=»_blank»]dzen.ru[/mask_link]
10 самых дорогих картин Энди Уорхола
6 августа появился на свет Энди Уорхол — зеркало эпохи 70-х, гений поп-арта и коммерческого искусства. Его картины в свое время произвели фурор не только в культурной сфере, но и в общественном сознании. Этот художник никогда не стеснялся монетизировать своё искусство. И у него есть чему поучиться. По случаю дня рождения гения-провокатора предлагаем вспомнить десятку самых дорогих его работ.
1. «Авария серебряной машины» (1963) — 105,4 млн долларов
Самая известная работа Уорхола из его крупномасштабной серии «Смерть и катастрофы». В ноябре 2013 года она ушла с молотка за ошеломительную сумму в 105 миллионов долларов с лишним. Эта сделка сделала картину второй по стоимости среди всех произведений современного искусства. Лидерство удерживает полотно Пикассо «Алжирские женщины» (179 миллионов).
2. «Восемь Элвисов» (1963) — 100 млн долларов
Пока в Нью-Йорке не продали «Аварию серебряной машины», самой дорогой картиной Уорхола был замысловатый портрет короля рок-н-ролла. Его приобрели в частную коллекцию в октябре 2008 года ровно за сто миллионов.
3. «Тройной Элвис (тип Ферус)» («Tripple Elvis (Ferus Tipe)»(1963) — 81,9 млн долларов.
Продана в ноябре 2014-го года. Эта работа – одна из двух, проданных Томасом Амманом немецкому казино в 70-х – стала топовым лотом на аукционе Christie’s.
4. «Бирюзовая Мэрилин» (1964) — 80 млн долларов
Норма Джин Бейкер, более известная как Мэрилин Монро, еще при жизни стала иконой и мечтой всех мужчин. Так что ее образ в исполнении гения поп-арта был обречен стать хитом. Точная сумма, которую американский коллекционер заплатил за один из 13 портретов Монро, написанных Уорхолом, неизвестна. Считается, что он отсчитал около 80 миллионов.
5. «Авария зеленой машины» («Горящая зеленая машина — 1») (1963) — 71,7 млн долларов
Комбинированная картина, созданная на основе фотографий автокатастрофы в Сиэтле, пока уступает по стоимости своей серебряной «коллеге». Грек Филипп Ниаркос купил ее на аукционе Christie’s в 2007 году за 71 миллион. Ну ничего, лет через десять заплатят 171.
6. «Четыре Марлона» («Four Marlons») 1966-го года — 69,6 млн долларов
Картина была продана в ноябре 2014-го года на аукционе Christie’s за 69, 6 миллиона долларов. Работа была выставлена на аукцион в паре с «Тройным Элвисом». Для создания этого полотна Уорхол использовал фотографии Марлона Брандо в образе героя фильма 1953 года «Дикарь».
7. «Мужчины в ее жизни» (1962) — 63,4 млн долларов
Уорхол не особенно жаловал женщин и запечатлел на холстах только семь представительниц прекрасной половины человечества: Элизабет Тейлор, Мэрилин Монро, Лайзу Миннелли, Жаклин Кеннеди, Дебби Харри, Брижит Бардо и Елизавету II. Черно-белое изображение Тейлор с двумя ее мужьями было продано анонимному коллекционеру на нью-йоркском аукционе Phillips de Pury https://bigpicture.ru/skolko-6-samyx-dorogix-kartin-endi-uorxola/» target=»_blank»]bigpicture.ru[/mask_link]
jim_dylan
Эту работу мастер написал в 1932 году в своём замке Буажелу, расположенном в 63 км от Парижа. Позировала ему Мария-Тереза Вальтер, бывшая на то время единственной его моделью, героиней и музой. «Сон» был создан в так называемый «период сюрреализма», один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо.
Среднего размера холст (130х97 см) впервые был выставлен на продажу на аукционе Christie’s 11 сентября 1997 года и ушёл с молотка за $48,4 миллиона. Спустя 9 лет картина вновь появилась на арт-рынке, но уже со стоимостью в $139 миллионов. Однако перед самой продажей произошло непредвиденное происшествие.
Владелец картины Стив Уинн за день до обмена на уже обговоренную сумму, стоя спиной к картине, рассказывал своим гостям о жизни художника. Он был настолько увлечён своим рассказом и так эмоционально заряжен, что всё время жестикулировал. И вот в очередном порыве Стив Уинн неожиданно правым локтем попал в картину и порвал её.
Естественно, сделка отменилась, а картина ушла на реставрацию. В конце марта 2013 года стало известно, что прежний претендент на картину Стивен Коэн, тот самый, который после «порчи» полотна отказался от его покупки, вновь заявил о своём желании купить отреставрированный шедевр. На этот раз всё прошло гладко, и «Сон» Пикассо был продан за рекордные для этого живописца $155 миллионов (Стивен Коэн выразил мнение, что после реставрации картина стала лучше, и сам накинул $16 миллионов сверху). Дороже Пикассо ещё никто не покупал.
2. Фрэнсис Бэкон. Три этюда портрета Люсьена Фрейда — $142,4 миллиона
Эта работа была написана художником в 1969 году в Лондонском королевском колледже искусств. Изображён на ней другой британский живописец и близкий на тот момент друг Бэкона Люсьен Фрейд. Каждая часть триптиха имеет одинаковый размер 198×147,5 см. Впервые он был показан на выставке в Турине, в Galleria d’Arte Galatea.
В середине 70-х годов прошлого века три части триптиха после выставки в Гран-Пале разъехались в разные стороны — Рим, Париж и Японию, и лишь в конце 80-х усилиями итальянского коллекционера из Рима Франческо де Симон Никеса были снова воссоединены и показаны в 1999 году в американском Йельском центре британского искусства. 12 ноября 2013 года в течение 6 минут триптих был продан на аукционе Christie’s за рекордную для открытых торгов цену — $142,4 миллиона. Изначально имя покупателя не сообщалось, но через некоторое время оно всё же стало известно. Вопреки предполагаемым слухам, по которым работу английского художника купила сестра эмира Катара Аль-Маясса-бинт-Хамад-бин-Халифа-аль-Тан и, на самом деле счастливой обладательницей триптиха Фрэнсиса Бэкона «Три этюда портрета Люсьена Фрейда» стала 70-летняя Элейн Уинн, бывшая жена американского магната Стива Уинна, того самого, который проткнул локтем Пикассо.
3. Барнетт Ньюман. Свет Анны — $106 миллионов
У Барнетта Ньюмана всего девять публичных продаж (в отличие от того же Пикассо, у которого их уже было 359), что не мешает этому американцу состоять в элитном дивизионе самых дорогих художников. Собственно у Барнетта Ньюмана не так много и произведений для продажи — всего 120, поскольку все свои ранние работы он в 1940 году самолично уничтожил.
Полотно «Свет Анны», написанное Ньюманом в 1968 году и названное так в память о своей матери, умершей в 1965, является самым большим из всего творческого наследия художника. Его размеры действительно впечатляют — 610,5×275 см. Для Ньюмана это было очень важно, он придавал размеру особое значение, как основному компоненту визуального опыта. Ну и конечно нельзя забывать про массив красного цвета, который накатывался художником в несколько слоёв, чтобы достичь нужной насыщенности и сделать его для зрителя физически осязаемым, доминирующим над ним. Человек сталкивался художником с волной неделимого цвета, что по его мнению, и должно было стать конструктивным началом нового мира, потому что, по словам самого Ньюмана, «человек — существо трагическое, и суть этой трагедии кроется в метафизической проблеме части и целого».
4. Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (Двойная авария) — $105,4 миллиона
Эта работа короля поп-арта, датированная 1963 годом, представляет собой холст 250×400 см, на который методом шелкографии (излюбленная техника Уорхола) был перенесён и размножен взятый из газеты снимок автомобиля, врезавшегося в дерево. Для этой работы Уорхол использовал серебристую отражающую краску.
Это одна из четырёх двухчастных работ Уорхола 1963 года с изображением автокатастроф, где на одной половине запечатлена дорожная авария, а другая представляет собой монохромную серебристую поверхность. Остальные три работы серии под общим названием «Смерть и катастрофы», хранятся в музейных коллекциях США, Швейцарии и Австрии. На мой взгляд, у Уорхола вышла отличная метафора жизни и смерти, когда трагедия соседствует со всеобъемлющей пустотой. Картина уже прошла через коллекции Гюнтера Закса, Чарльза Саатчи и Томаса Аммана, что только прибавляет ей коллекционный вес и увеличивает цену.
5. Джефф Кунс. Собака из воздушного шара — $58,4 миллиона
Наследник Дюшана и яркий представитель симуляционизма в современном искусстве, Джефф Кунс создал в 1990-е годы целую серию скульптур, имитировавших игрушки из продолговатых воздушных шаров. Собак было отлито пять экземпляров. Все они изготовлены из блестящей, полированной до зеркального блеска стали и отличаются друг от друга только цветом.
Помимо проданной за $58,4 миллиона оранжевой «Собаки из воздушного шара», существуют ещё пурпурная, красная, жёлтая и синяя. Высота гигантских собак достигает трёх метров, а весит каждая по тонне. Скульптуры из этой серии входят в собрания известных коллекционеров Стивена Коэна, Эли Броуда и Франсуа Пино. После продажи 2013 года Джефф Кунс приобрёл статус самого дорогого из ныне живущих художников.
6. Джексон Поллок. Номер 19 — $58,4 миллиона
Джексон Поллок, работавший в придуманной им же технике дриппинга (разбрызгивания), создал «Номер 19» в далёком 1948 году, когда абстрактный экспрессионизм в Америке только зарождался. При этом надо понимать, что абстрактный экспрессионизм не был каким-то единым направлением со своими стилистическими особенностями, а скорее общей точкой зрения на саму природу искусства — спонтанным выражением внутреннего мира, субъективными ассоциациями подсознания в неорганизованных логическим мышлением абстрактных формах.
И в этом смысле Поллок —самый влиятельный проповедник этого движения и абсолютный классик. Его «живопись действия» дала мощный толчок зарождавшемуся новому искусству. Имеющая небольшой размер (78,4×57,4 см), картина Джексона Поллока «Номер 19» была написана в наиболее продуктивный период жизни мастера, незадолго до его первой персональной выставки в галерее Бетти Парсонс, которая стала сенсацией и имела финансовый успех. Как видно теперь, этот успех сопровождает работы Поллока и по сей день.
7. Энди Уорхол. Кока-Кола (3) — $57,3 миллиона
И снова в списке человек, придумавший дискотечный зеркальный шар — Энди Уорхол. На этот раз с оригинальным чёрно-белым изображением бутылки «Кока-Колы» в человеческий рост (176,2х137,2 см), созданным в 1962 году. Считается, что именно с этой работы и началось шествие поп-арта по планете.
Многие говорят о том, что Уорхол создал «портрет поколения», выбрав для его изображения на холсте универсальный символ. Сам же мастер объясняет свой выбор так: «Что делает Америку великой, так это то, что самые богатые люди покупают ровно те же товары, что и самые бедные.
Ты знаешь, что президент пьет Coca-Cola, Лиз Тэйлор в восторге от Coca-Cola и ты, только представь, ты тоже можешь пить Coca-Cola! Coca-Cola всегда остается той же Coca-Cola, сколько бы денег ты ни заплатил». Справедливости ради надо сказать, что Энди Уорхол был не первым художником, которого вдохновляла бутылка «колы». Известно, что Сальвадор Дали и Марисоль Эскобар также испытывали к ней нежные чувства, но именно Уорхолу удалось создать из неё окончательный шедевр.
8. Рой Лихтенштейн. Женщина в шляпке с цветами — $56,1 миллиона
В основе этой известной небольшой поп-арт работы (127х101,6 см) одноимённая картина Пабло Пикассо 1940 года. По мысли Лихтенштейна, испанский мастер стал объектом поп-культуры ещё при жизни и поэтому он должен теперь принадлежать всем. Пикассо, кстати, был не единственным художником, которого Лихтенштейн «переводил» таким образом на упрощённый язык поп-культуры.
Были ещё Моне, Матисс, Леже, Мондриан. Но если основной идеей поп-арта было превращение товара в искусство, то здесь вся ирония заключалась в обратном движении. Таким образом Рой Лихтенштейн, получивший классическое образование в области изящных искусств, «избавлялся» от влияния маститых предшественников, под которые попал ещё в юношестве, иронически переводя их работы в регистр стереотипного массового сознания при помощи кричащих цветов, имитации промышленной типографской печати и эстетики комикса. Но как оказалось, шедевры, превращённые рукой Лихтенштейна в «фальшивку», сегодня возвращаются к нам новыми шедеврами.
9. Альберто Джакометти. Большая тонкая голова (Большая голова Диего) — $50 миллионов
Скульптура Альберто Джакометти, созданная в 1955 году, представляет собой бюст высотой 65 сантиметров, изображающий младшего брата скульптора, который был его любимым натурщиком на протяжении всей жизни. Отлитая из бронзы она предназначалась для установки на уличной площади в Нью-Йорке, но так туда и не добралась.
Наряду с его легендарным «Шагающим человеком», эта скульптура также считается знаковой для творчества Джакометти. «Большая голова Диего» — одна из самых радикальных и эмоциональных работ автора. Его своеобразная техника создаёт впечатление незавершённости и символизирует несовершенство мира, а уязвимость, хрупкость и беззащитность человека в образах мастера воплощают идеи экзистенциализма — окружающая среда подобно кислоте разъедает и деформирует поверхность тела, заставляя человека мужественно проживать свою жизнь в вечном движении и вечном поиске лучшей участи. К сожалению, работа над «Большой головой Диего» была приостановлена из-за смерти автора. Так что, по сути дела — это одна из последних работ Джакометти.
10. Жан-Мишель Баския. Затуманенные головы — $48,8 миллионов
Как ни крути, а на неоэкспрессиониста Жана-Мишеля Баскию, певца нью-йоркского андеграунда первой половины 80-х, открывшего для нас мир граффити и умершего в возрасте 27 лет от передозировки героином, работает его яркая и короткая история жизни. Художника наконец-то «распробовали» и теперь ставят в один ряд с Уорхолом и Поллоком, двумя колоссами американского искусства XX века.
Это красноречиво подтверждают и аукционные торги. Прошлый максимум на продажу картин этого художника был зафиксирован на отметке $28,97 миллиона. Теперь и она пройдена и, судя по оценкам специалистов, это не предел — цена будет только расти. Картина «Затуманенные головы» (182,8х213,3 см) — ранняя работа художника, написанная им в 1982 году, как раз в то время, когда его увлекали ритуальные маски, скелеты и гаитянские сюжеты, и когда состоялось определившее его дальнейшую жизнь знакомство с Энди Уорхолом, с которым, кстати, он впоследствии создал несколько совместных произведений.
Источник: jim-dylan.livejournal.com