Как назвать выставку, которая является целостным произведением искусства? Чем отличается выставка, которую курируют художники? И еще 10 терминов в области современного искусства.
Про «Закрытую рыбную выставку» в Центре Вознесенского (спецпроект Московской молодежной биеннале) рассказывать непросто. Этот проект — реконструкция важной для российского современного искусства «Закрытой рыбной выставки» Игоря Макаревича и Елены Елагиной 1990 года. А она, в свою очередь, была реконструкцией знаменитой астраханской «Закрытой рыбной выставки» 1935 года, объединившей работы соцреалистических художников на тему рыбной промышленности. В современной выставке в Центре Вознесенского приняло участие 20 молодых художников института «База» , которые исследовали оба проекта, — и произведения искусства, которые они создали, основаны на исследовании и истории. Куратор выставки Дмитрий Хворостов и автор идеи Ян Гинзбург перечислили The Blueprint список понятий и терминов, без которых будет непросто понять «Рыбную выставку» — как в принципе и большинство проектов в области современного искусства.
36 ТЫСЯЧ ЛЕТ ЖИВОПИСИ ЗА 5 МИНУТ [ART I FACTS]
Выставка как медиум . Некоторые выставки можно рассматривать как самостоятельный жанр искусства — такой же, как живопись, скульптура или графика. Хорошим примером тут становится творчество Роберта Смитсона — ленд-артиста, который пространство выставки представлял как единое высказывание.
Роберт Смитсон, 2004 Музей Современного Искусства MOCA Grand Avenue в Лос-Анджелесе, фото: Brian Forrest
«Закрытая рыбная выставка», Центр Вознесенского
Реди-мейд — один из самых важных терминов. Помните работу Марселя Дюшана «Фонтан» — это и есть первый в истории искусства реди-мейд. Художник берет бытовой предмет и, показывая его в музее или галерее, встраивает его в поле искусства.
Марсель Дюшан, «Фонтан»
Ян Гинзбург, «Приемный мотор в море»
Хистори-мейд . Этот термин появился несколько лет назад в российском художественном контексте. Его придумал художник Анатолий Осмоловский, он описал этим термином один из элементов, на котором строится искусство другого художника, Яна Гинзбурга. Последний использует в своих работах исторические предметы, фрагменты другого искусства либо чужое искусство тоже как элемент своего произведения, то есть он встраивает чужие работы в тело своих произведений либо частично, либо полностью вставляет как объект. Какой здесь механизм создания произведения? Он берет уже принадлежащий истории искусства объект полностью или его часть и дает ему иное описание — в соответствии со своими фантазиями художника.
Эксперты в современном искусстве угадывают арт или фейк
Работы Яна Гинзбурга
Художник как куратор . Обычно выставку создает куратор. Его задача — показать некоторую объективную реальность. Например, он показывает срез работ других художников, их общие темы и методы, должен убедить зрителей в том, что у этих художников как раз есть что-то общее — и вот это и есть объективная реальность. Но иногда выставку курирует художник — и в этом случае всю выставку стоит рассматривать как его художественное произведение — как, например, картину или скульптуру. Такая выставка не имеет задачи показать объективную реальность, она более субъективна, она преследует интересы самого художника и раскрывает важные для него темы, транслирует его представления о прекрасном.
Реконструкция — воссоздание художественной работы или целого проекта. Можно вспомнить несколько примеров. Куратор галереи XL Елена Селина сделала в фонде «Екатерина» выставку «Реконструкция». Эта выставка реконструировала российское искусство 1990-х и 2000-х. Залы фонда воспроизводили галереи, которые существовали в России в 1990-х годах.
На выставке были представлены главные герои того времени: либо реальными работами, либо их документацией. Другой пример реконструкции в мире искусства — работы Ричарда Гамильтона, который сделал несколько точных копий произведений Марселя Дюшана для его ретроспективной выставки в Лондоне. Одну из работ Дюшана было невозможно привезти на выставку, поэтому Ричард Гамильтон сделал точную копию этой работы и провел огромное исследование каждого ее момента, он решил разобраться во всех текстах, документах, которые были связаны с этой работой, и, таким образом, создал реконструкцию не только самой работы, но и смыслов, которые за ней стоят. Получается, что есть несколько ступеней реконструкции: можно воспроизвести формальную сторону работы, то есть ее внешний вид, можно — концептуальную, то есть смыслы, которые за ней стоят, а можно попытаться ее «оживить», продлить дальше, добавить к ней новых смыслов, которые свяжут ее с современностью.
Источник: theblueprint.ru
Словарь терминов изобразительного искусства — ювелирное искусство
(от немецкого Juwel драгоценный камень) изготовление художественных изделий (личных украшений, предметов быта, культа, вооружения и др.) преимущественно из драгоценных (золото, серебро, платина), а также некоторых других цветных металлов, часто в сочетании с драгоценными и поделочными камнями, жемчугом, стеклом, янтарём, перламутром, костью и т. д. В Ювелирном искусстве применяются ковка, литьё, художественная чеканка и канфаренье (придание поверхности металла зернистости и матовости при помощи чекана в виде тупого шила или трубочки), тиснение, резьба или гравировка, оброн (техника, при которой фон вокруг рисунка вырезается), филигрань, зернь, чернь, эмали (финифть), инкрустация, травление, полировка и другие механические приёмы обработки штамповка, вальцовка и др. Ювелирное искусство один из древнейших и широко распространённых видов декоративно-прикладного искусства (в том числе народного).
Будучи теснейшим образом связанными с меняющимися условиями исторического быта (например, со спецификой стилей одежды), изделия ювелирного искусства играли роль своеобразных знаков, выявляющих социальный статус их владельца, а также имели (в функции амулетов) магический смысл. В процессе исторического развития социально престижное значение изделий ювелирного искусства чаще всего вытесняло связанные с ними религиозно-магического представления.
Вплоть до XX в. ювелирное искусство остаётся одним из средств формирования целостной художественной среды, позволяющим одновременно подчеркнуть и красоту исходного материала, и изысканность его обработки. На высокой ступени развития находилось ювелирное искусство Древнего Египта, отличавшееся любовью к ярким полихромным эффектам.
Материалами служили преимущественно золото, лазурит, аметист, бронза, яшма, обсидиан и изумруды; применялись чеканка, гравировка и так называемая холодная эмаль (включение кубиков стеклянной пасты и цветных камней между золотыми перегородками). Пристрастие к яркой полихромии, частое использование лазурита и техники холодной эмали характерны для ювелирных изделий древнего Двуречья (Аккад, Ассирия, Вавилония, Шумер).
Ювелирные изделия эгейского искусства (обнаруженные главным образом в Микенах и Трое изделия со сканью и зернью, золотые сосуды с изображениями быков, каракатиц, морских звёзд и пр.) и этрусков отмечены большей сдержанностью цветовых решений. Если в произведения ювелирного искусства Древней Греции классического периода (V-IV вв. до н. э.) важнейшим средством художественных эффектов являлся матовый блеск золота, то в произведениях эллинистического искусства и Древнего Рима вновь появился интерес к звучной полихромии.
Особую известность среди произведений эллинистического ювелирного искусства получили художественные изделия из серебра. В ювелирном искусстве Ирана (III-VII вв.) были распространены сосуды из золота и серебра с чеканными, литыми и гравированными изображениями.
В ювелирном искусстве мусульманских стран Востока большое значение получили отвлечённый геометрический или растительный орнамент и каллиграфия. Особая пышность украшений характерна для ювелирных изделий средневековой Индии, где рано распространилось искусство огранки алмазов.
Мастера средневекового Китая обрабатывали различные материалы (кроме драгоценных металлов коралл, нефрит, янтарь и др.) более сдержанно, стремясь подчеркнуть в них не столько светоотражательные свойства, сколько окраску или даже природную фактуру. Многочисленные первоклассные образцы ювелирного искусства были найдены при археологических изучении культур древней Америки (литые и чеканные золотые украшения с мозаичные орнаментами из бирюзы, кварца, агата и др.).
Типичные черты раннесредневекового европейского ювелирного искусства применение холодной эмали, крупных кабошонов (округлых неогранённых драгоценных камней), контрастно сопоставляемых с золотом, мотивы «звериного стиля» в орнаментике. В византийском ювелирном искусстве (распятия, чеканные литургические сосуды, оклады и другие предметы культа, часто украшенные тончайшей перегородчатой эмалью) преобладала тенденция к иллюзорной дематериализации форм.
В ювелирных изделиях романского стиля и готики (где применялись редкие породы дерева, горный хрусталь) величественность пышность цветовых созвучий неизменно сочеталась со строгой архитектоничностью композиций, в ряде случаев повторяющих формы церковного зодчества. Мастера эпохи Возрождения и маньеризма (итальянцы П. Леони, Б. Челлини и др.) создали изделия (серебряные сосуды с многофигурными рельефными сценами, подвески с эмалью на рельефе, резные камни и др.), в которых исходные свойства драгоценных материалов отступали на задний план перед стремлением подчеркнуть изысканность обработки.
В XVII-XVIII вв. возрос интерес к живописным эффектам, к сложным колористическим созвучиям эмалей, золота и драгоценных камней, нередко покрывающих металлическую основу сплошным мерцающим слоем. Среди шедевров европейского ювелирного искусства XV-XVIII вв.немецкое художественное серебро (мастера семьи Ямницер и др.) и эмали (И. М. Динглингер), английское художественное серебро.
Изделия французского ювелирного выдвинулись с конца XVII в. на первое место в Европе; в XVIII в. господствовала прихотливая изысканность форм рококо, в начале XIX в.строгость стиля ампир (чеканные изделия Ж. Б. Одио и М. Г. Бьенне придворных мастеров Наполеона I). В середине XIX в. производство массовых ювелирных изделий механизируется; в употребление широко входят упрощённые приёмы, например, накладное серебро, а вместо драгоценных камней горный хрусталь, аквамарин, малахит, цветное стекло, искусств, бриллианты (стразы).
Большинство изделий ювелирного XIX в. стилистически тяготеет к эклектизму, против которого в конце XIX начале XX вв. выступили мастера стиля «модерн» (Р. Лалик во Франции и др.). К вершинам мирового ювелирного искусства принадлежат золотые украшения и художеств, сосуды скифов и сарматов из погребений Причерноморья, Прикубанья, Нижнего Поволжья.
Мастерством чеканки, скани, резьбы, черни, перегородчатой эмали славились ювелиры средневековой Грузии, Армении, Дагестана. Для Киева XI-XII вв. особенно характерны изделия с перегородчатой эмалью, для Новгорода XI-XII вв.серебряные литургические сосуды и чеканные оклады икон, для искусства владимиро-суздальской школы XII-XIII вв.различные изделия с чередованием золотых и серебряных частей, для Москвы и Суздаля XIV-XV вв.оклады икон и евангелий, складни и т. д. со сканью, чеканкой, басмой (тиснением), эмалью и литыми изображениями.
В XVI в. особое распространение получили чернь и эмаль, в XVII в.эмаль (И. Попов), чеканка (Г. Овдокимов), резьба по металлу (В. Андреев, А. Трухменский), чернь (М. Агеев, П. Иванов); в XVII в. развиваются и многие местные школы древнерусского ювелирного искусства сольвычегодская (мастерские Строгановых), ярославская и др.
Русское ювелирное искусство XVII в. (с центром в Петербурге) развивается в русле общеевропейских художественных стилей, но сохраняет национальные особенности и местные черты отдельных центров. В XVIII в. складывается великоустюжское чернение по серебру. В XIX в. в Москве и Петербурге возникают крупные фабричные предприятия серебряного и золотого дела.
Среди них выделяются предприятия П. Ф. Сазикова (серебряная скульптура), П. А. Овчинникова (эмали в древнерусском стиле), И. И. Хлебникова (эмали, чеканные изделия), а в начале XX в.фирма Оловянишниковых (культовые изделия в различных техниках). Высококачественные ювелирные изделия (эмаль на золоте, фигурки из полудрагоценных камней и др.) изготовляли фирма Фаберже и работавшие по её заказам мастерские. Для ювелирного искусства XX в., освоившего много новых материалов (платина, палладий, анодированный алюминий и др.), характерно необычайное разнообразие творческих направлений. Пуристическое стремление к «дизайнерским» формам, лишённым какого-либо орнамента (типичное для ювелирного искусства 1920-х гг.), сосуществует с тенденциями к созданию изделий, воскрешающих динамику и текучесть форм «модерна» или традиции народного и средневекового ювелирного искусства. Наряду с орнаментами, имитирующими различные исторические стили, к середине XX в. всё чаще появляются образные решения, более тесно соприкасающиеся с проблематикой современной культуры (например, ювелирные композиции на космическую тему).
(Илл. Б. Челлини. Солонка Франциска I. 1540-1543 гг.)
Словарь терминов изобразительного искусства
Рейтинг статьи:
Источник: www.xn--80aacc4bir7b.xn--p1ai
Что такое изящные искусства?
Изящные искусства (фр. les beaux arts, нем. feine Künste или schöne Künste) — общий термин для обозначения таких видов искусства, как живопись, скульптура, архитектура и музыка.
В современном мире практически повсюду можно встретить проявление той или иной формы искусства. Мебель в вашем доме, сам дом, ваши часы или одежда — все это так или иначе можно отнести к искусству вообще. В любом из этих случаев кто-то украшал принадлежащую вам вещь, пытаясь сделать ее привлекательной. Однако это так называемое прикладное искусство играет второстепенную роль: оно призвано лишь украсить тот предмет, которым человек будет пользоваться по прямому его назначению. Изящные же искусства (в современном языке — просто искусство) занимаются совершенно иным, то есть, как и следует из их названия, — «изящным» самим по себе.
К «изящным» искусствам относятся живопись, скульптура, литература, театр, музыка, танец и архитектура. Из всех вышеперечисленных видов искусства, только архитектура носит «практическую пользу». Архитекторам приходится думать не только о красоте, но и полезности своих сооружений. Однако произведения искусства, созданные громадным трудом художника-творца, могут вовсе и не иметь никакой практической пользы. Они создаются ради удовлетворения нашей потребности в прекрасном, вот и все.
Конечным результатом творчества может стать статуя, мелодия, пьеса, книга и т. д. В современном искусстве во всех его видах можно встретить примеры любопытных экспериментов. Однако все же традиционные методы в произведениях всех видов художественного творчества имеют нечто общее. Это нечто — образ, воплощаемый в произведении.
Этот образ воплощается при помощи звуков, камня, слов, строительных материалов, линий и красок. В каждом образе присутствует то, что можно назвать ритмом, пропорцией и гармонией. Ритм возникает из более или менее размеренного повторения звуков, цветов, форм и движений.
Пропорция — это такое воплощение замысла художника, которое кажется нам правильным, выраженным в соразмеримых частях. Гармония заключается в естественном соответствии различных частей образа друг другу. Все это, разумеется, лишь самые общие понятия из области художественного творчества и изящных искусств.
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
BraveRobot нашел еще статьи на эту тему:
- Matthew Scherfenberg. Необычное искусство в жанре ню
- Сюрреализм в современном интерьере
- Экскурсии по Калифорнии: поездка в музей Гетти
- Японский минимализм в интерьере: чрезвычайно простая планировка
- Художница украшает шрамы оригинальными татуировками
- Сюрреализм Сальвадора Дали
- Случайные Ренессанс: уличные фотографии в стиле Возраждения
- 20 ретрофутуристических киноафиш Лорен Дюре
- Искусство эротической фотографии: девушки
- Картина Бэнкси за 10 млн — тележки в «Пруду с водяными лилиями» Моне
Источник: bravedefender.ru