Русская опера — особая страница в мировой опере. Хотя Западная Европа опередила Россию в развитии этого музыкального жанра почти на 200 лет, в 19 веке в России был практически совершен «оперный подвиг». В ноябре 1836 г. состоялась премьера «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») Глинки. Премьера прошла с огромным успехом! Опера стала своего рода новаторской.
Это связано прежде всего с новой для оперы темой — главным героем стал представитель простого народа и сам народ. Появилась и особая мелодика, что впоследствии было определено как русский национальный стиль. Композитору удалось создать синтез русской народной широкой распевной песни с законами оперной кантилены. А самое потрясающее — это хоровое вступление. Глинка, опираясь на национальную традицию хорового пения, создал монументальную композицию: с мужским хором в духе старинных молодецких и солдатских народных песен и женским хором с хороводным пением и плясовой.
Вот так русская опера, только возникнув, заслужила самых высоких слов одобрения. Следующим великим автором русских опер стал Модест Петрович Мусоргский. Его опера «Борис Годунов» и сегодня очень актуальна и оригинальна. Сам композитор говорил, что его цель — показать народ как великую личность, воодушевленную единой идеей. Никто не ставил таких задач до русских композиторов.
Д. А. Россини. Опера «Севильский цирюльник». Каватина графа Альмавивы «Ecco ridente in cielo»
Вершиной русской оперной школы является творчество Петра Ильича Чайковского: «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Мазепа», «Черевички», «Иоланта». Эти оперы ставятся во всех музыкальных театрах мира. Чайковский был неподражаем в создание лирико-психологической драмы. Основу сюжета составляют конфликт любви и судьбы, фатальная обреченность человека.
Но не меньшего внимания заслуживает историческая опера Бородина «Князь Игорь», а также оперное творчество Римского-Корсакова. Он стал автором замечательных волшебных сказок: «Снегурочка», «Садко», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», сказка-сатира «Золотой петушок».
Далее последовали оперы советского времени, самые яркие среди которых «Война и мир» Прокофьева, «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича.
Я знаю, что опера, не самый востребованный музыкальный жанр, но сегодня я предлагаю послушать действительно увлекательные оперные арии, после которых полюбить оперу так легко!
1. Песнь о блохе, Мусоргский
«Песнь о блохе» М. П. Мусоргского была написана на русский перевод слов из поэмы Гете «Фауст» (песня Мефистофеля в погребке Ауэрбаха).
Одним из первых свои впечатления об этой арии описал Максим Горький . Очень его поразило исполнения великого русского баса Шаляпина:
. Вышел к рампе огромный парень во фраке, перчатках, с грубым лицом и маленькими глазами. Помолчал. И вдруг улыбнулся и — ей-богу — стал дьяволом во фраке. Запел не громко так: «Жил-был король когда-то, при нем блоха жила. ». Спел куплет и до ужаса тихо захохотал: «Блоха? Ха-ха-ха!» Потом властно — королевски властно! — крикнул портному: «Послушай, ты!
Чурбан!» И снова засмеялся дьявол: «Блохе — кафтан? Ха-ха! Кафтан? Блохе? Ха-ха!
И — это невозможно передать! — с иронией, поражающей, как гром, как проклятие, он ужасающей силы голосом заорал: «Король ей сан министра и с ним звезду дает, за нею и другие пошли все блохи в ход». И снова негромко, убийственно иронично: «И самой королеве и фрейлинам её от блох не стало мо-о-чи, не стало и житья». Когда он кончил петь, кончил этим смехом дьявола, — публика — театр был битком набит,— публика растерялась. С минуту — я не преувеличиваю! — все сидели молча и неподвижно, точно на них вылили что-то клейкое, густое, тяжелое, что придавило их и задушило. Мещанские рожи побледнели, всем было страшно».
Леонид Харитонов также великолепно исполнил эту шуточную арию!
2. Песня половецких рабынь из оперы «Князь Игорь», Бородин
Хор «Улетай на крыльях ветра» открывает балетно-хоровую композицию «Половецкие пляски» , завершающую второй акт оперы «Князь Игорь». Эта яркая сцена приобрела невероятную популярность у публики. Номер часто исполняют как самостоятельный. Это невероятно яркие и драматичные 15 минут.
Музыкальная тема хора «Улетай на крыльях ветра» стала очень популярна у самых разных исполнителей. Музыку хора превращают цитируют многие известные музыканты и певцы.
3. Песня Варлаама из оперы «Борис Годунов», Мусоргский
Свою оперу композитор посвятил товарищам по «Могучей кучке». Тематика оперы связана с образами народной жизни и исторического прошлого России.
Варлаам — интереснейший персонаж оперы – бродячий монах. По пути он заходит в корчму, чтобы сытно поесть.
Его ария — удалая, плясовая, разухабистая песня. Властный и жёсткий образ Варлаама — типичный для Руси образ монаха или попа. На первый взгляд, Варлаам с его грубостью и необузданностью нрава похож на отрицательного персонажа. Но на самом деле, он — сильная, властная, непокорная личность, которая никого не боится и «рубит правду-матку с плеча».
Он является носителем непокорного, мятежного духа. За его непривлекательной внешностью кроется могучая, бесцельно растрачиваемая, богатырская сила.
4. Песня Варяжского Гостя из оперы «Садко», Римский-Корсаков
Знаменитая песня Варяжского Гостя из оперы Римского-Корсакова «Садко» — одна из самых выразительных русских оперных арий. Музыка так замечательно передает суровую и величественную природу Скандинавии, её холодное, волнующееся море.
О скалы грозные дробятся с ревом волны
И, с белой пеною крутясь, бегут назад.
Но твёрдо серые утесы выносят волн напор
Над морем стоя.
От скал тех каменных у нас, варягов, кости,
От той волны морской в нас кровь-руда пошла.
А мысли тайны от туманов,
Мы в море родились умрём на море.
Мечи булатны, стрелы остры у варягов,
Наносят смерть они без промаха врагу,
Отважны люди стран полночных,
Велик их Один-бог, угрюмо море.
Голос Бориса Штоколова великолепно подходит для этой арии
5. Хор «Славься» из оперы «Иван Сусанин», Глинка
Идейной кульминацией оперы «Иван Сусанин» стал этот заключительный гимн. Хор «Славься» восхитил всех присутствующих небывалым зарядом патриотизма, воплощенным в русской опере.
Хор «Славься, Русский Царь» впоследствии стал неофициальным династическим гимном России. Прекрасная талантливая музыка в сочетании с патриотическим текстом сделали его очень популярным у всех русских людей — от царя до простолюдина.
Подписывайтесь на канал, впереди много интересного!
Спасибо за лайки!
Источник: dzen.ru
Из чего состоит опера: ария
Ария — сольная пьеса для голоса, изображающая чувства и переживания оперного героя. Обязательным атрибутом оперной драмы не является, но зато является тем ее элементом, который проще всего узнать и полюбить. И который в полной мере проявляет достоинства как композитора, так и певца.
Знающая публика классических балетов нередко аплодирует удачным трюкам танцовщиков, не считаясь с музыкой. Знающая оперная публика нынче все более сдержанна. Если ария действительно чудо как спета — ну, может быть, похлопают по окончании ее (хотя все равно не так решительно, как в XIX веке, когда у таких аплодисментов был вполне определенный резон: публика требовала повторять особенно понравившиеся номера), все равно исполнители свое получат, когда будут выходить на поклоны.
Здесь, конечно, пришедшее из симфонических залов благоговение перед целостностью музыкального впечатления, но не только. Еще это уважение к драматургической непрерывности, к которой приучил нас оперный театр последних десятилетий. Если ария, как срезанный цветок в букете, вставлена в концертную программу — дело другое.
Но если она — часть музыкальной драмы, то негоже позволять певцу ее докладывать, словно из-за концертного пюпитра. Пусть продолжается действие, пусть артист поет ее непринужденно; ежели нужно — лежа, танцуя, одеваясь, сражаясь или стоя на голове. И для нелюбителей современной оперной режиссуры главная гадость, наряду с современными костюмами, как раз и состоит в том, что певцу (или певице) не дают очередную великую музыку попеть по-человечески — глядя в зал и на дирижера, не отвлекаясь на сценические хлопоты.
На самом деле режиссерская опера тут ничего нового не выстрадала: еще позднеромантические критики «номерных» оперных партитур сетовали как раз на то, что контрастное чередование речитативов с ариями вредит-де именно что убедительности сцендействия. Классическая ария, во-первых, была задумана именно как остановка: вот только что герои спорили или миловались, но все замерло, и певец подводит эмоциональный итог случившемуся в такой великолепной и такой искусственной форме вокальной пьесы. Во-вторых, форма эта была совершенно закрытой. В-третьих, это у героев были спонтанные порывы чувств — а вот их возможные арии при этом бывали строго классифицированы.
В aria di bravura нужно было шикануть колоратурами, aria parlante, наоборот, скупилась на вокальные украшения: один слог — одна нота. Aria cantabile должна была отличаться особой распевностью мелодии, а aria di mezzo carattere — комбинировать черты остальных типов.
Было, кроме того, разделение арий в зависимости от типовых поэтических выражений и драматургических ситуаций: по этим жанрам легко распределять, например, номера из генделевских опер. Выделяли «арии сравнения», где состояние героя уподоблялось какому-нибудь явлению природы («Dopo notte» из «Ариоданта»), «арии тени», где герой взывал к призраку умершего родственника, благодетеля или objet d’amour («Ombra cara» из «Радамиста»), «арии сна», где один персонаж созерцал сон другого («Vaghe fonti» из «Агриппины»), «арии в оковах», где протагонист томился в темнице («Duri lacci» из «Арминия»); в «охотничьих ариях» должна была солировать валторна («Va tacito» из «Юлия Цезаря»), в «воинственных» — труба («Or la tromba» из «Ринальдо»). Все эти жанры нужно было использовать очень расчетливо и дозированно — чтобы не допустить излишних повторов и чтобы потрафить певцам.
А ведь еще были «чемоданные арии», коронные хиты, которые популярные певцы таскали за собой из оперы в оперу, и «шербетные арии» — проходные номера для второстепенных персонажей, которые вставляли ближе к концу оперы ради того, чтобы публика могла отдохнуть и освежиться перед финалом. Явления уродливые, но долговечные — еще в 1840-е и то и другое было в порядке вещей.
Теперь, дабы читатель окончательно запутался, надо еще добавить, что и в чисто структурном смысле арии тоже бывали очень разнообразны. Эпоха Скарлатти—Вивальди—Генделя ассоциируется по большому счету с одной-единственной жесткой формой, так называемой aria da capo — три части, причем третья повторяет первую. А вот потом композиторы перешли ко все менее формализованной строфике (попутно умножая невиданные прежде типы арий вроде романса или куплетов).
Все эти усилия типизировать арию по-своему важны и занимательны, но к непосредственному впечатлению от того или иного произведения они прибавляют довольно мало. Закрытость формы тем и хороша, что в границах арии композитор предельно субъективен — насколько это позволяют поэтика его времени и отпущенный ему талант. Ария, пусть сколь угодно формализованная, на самом деле лучше чего бы то ни было отвечает на наши вопросы к происходящему на сцене: какой он, этот персонаж? что у него за душой? страдает? радуется? похоже ли это на то, что я чувствую и знаю?
Есть до смешного много теорий, объясняющих, почему в европейской музыкальной культуре на исходе XVI века вырвалось в нормативное художественное явление именно сольное пение (которое, в отличие от мадригальной или церковной полифонии, прежде считалось чем-то вульгарным). Мол, в господстве одного голоса выражает себя утверждающийся абсолютизм.
Или, напротив, ренессансный индивидуализм и демократичность сознания (захотел петь — так и пой себе соло). Или любовь к античным образцам. Правда, наверное, в том, что композиторская музыка нового времени (и опера как ее флагман) хотела быть немножко всем сразу: ученой и демократичной, царственной и общепонятной. А более универсального средства для этого, чем индивидуальный поющий голос, как не было, так и нет.
холодный вокал
«What Pow’r Art Thou» («Король Артур» Генри Пёрселла, 1691)
Прежде чем надолго стать записной любительницей итальянской оперной культуры, Англия присматривалась к французской опере. Влияние Люлли и Шарпантье трудно не заметить и у Пёрселла. Даже басовая ария Гения холода из «Короля Артура», знаменитейший пёрселловский номер, популяризированный Питером Гринуэем и Майклом Найманом, восходит к «сцене холода» в «Изиде» Люлли. Но один и тот же прием — дрожащий голос как изображение стужи — у Люлли выглядит комично, а у Пёрселла с его хроматизмами помещен в контекст мрачный и даже зловещий.
адский вокал
«Разверзи, пес, гортани, лая» («Альцеста» Германа Раупаха, 1758)
Оперы на русском языке появились попозже, чем на английском, но все равно задолго до Глинки. «Альцеста» Раупаха — всего вторая в этом ряду. Оперу в итальянском стиле немец Раупах написал на либретто Сумарокова, так что в этой арии da capo (итальянские теоретики сочли бы ее типичной «военной арией») Геркулес, поющий меццо-сопрано, экспрессивно сообщает, что, несмотря на лай Цербера и шум «свирепого ада», его ничто не остановит в экспедиции за Альцестой: «Пойду к бессолнечным местам, / вступлю и все встревожу там».
весенний вокал
«Winterstuerme wichen dem Wonnemond» («Валькирия» Рихарда Вагнера, 1870)
Ария была одним из тех феноменов традиционной оперы, которые своим антидраматизмом вызывали у Вагнера бешенство. Полностью отказаться от обособленных ариозных номеров, однако, у него так и не получилось. Такие можно найти даже в «Кольце нибелунга», где привычного разделения на сцены в духе почтенных итальянцев нет в помине. Например, завершающая первое действие «Валькирии» ария Зигмунда — милая песня о весне и любви с фольклорно-простодушной мелодией, в которой тяжелую руку великого реформатора не в раз и признаешь.
победный вокал
«Nessun dorma» («Турандот» Джакомо Пуччини, 1926)
Композиторы-веристы мечтали увести оперу еще дальше от старинных стандартов «концерта в костюмах», нежели Вагнер — и все же написали огромное количество арий, вставших в разряд популярных хитов на одних правах с произведениями их консервативных предшественников. Особенно удачлив в этом отношении оказался Пуччини. Арию предвкушающего любовную победу над Турандот принца Калафа и так ценили многие (за широкую распевность и сияющее верхнее си), но благодаря «трем тенорам» и футбольному чемпионату 1990 года она стала совсем уж азбучно-общеизвестной.
- Журнал «Коммерсантъ Weekend» №21 от 22.06.2018, стр. 22
- Сергей Ходнев подписаться отписаться
- Все о театре подписаться отписаться
- Опера подписаться отписаться
Источник: www.kommersant.ru
Оперные арии (виды)
Номерная опера долго господствовала в мировом музыкальном искусстве. Номерной она называется потому, что может быть с легкостью разбита на номера — арии героев оперы. Таковы оперы эпохи барокко (в которых количество арий могло превышать все разумные пределы), оперы эпохи романтизма (Беллини, например), оперы классицизма (Моцарт, конечно), оперы Верди (кроме поздних) и многие другие. С появлением Вагнера произошла некоторая революция, после которой стала высоко цениться сквозная опера, из которой сложно или невозможно выделить отдельные номера.
Когда опера была номерная, в ней могли быть написаны арии для каждого героя. Для главных действующих лиц композиторы сочиняли по несколько сольных номеров. Естественно, такое многообразие не могло называться одним словом «ария». На самом деле, есть классификация оперных арий, и певцу неплохо бы разбираться в ней.
Итак, есть основной вид сольного номера — ария. Это полностью законченный, самостоятельный эпизод в опере (или оратории), который с легкостью может быть из нее взят для отдельного исполнения. Ария наиболее полно характеризует героя. По продолжительности ария может быть разной.
Например, aria da capo, распространенная в старинных opera-seria, состоит из первой части, средней и повторения первой части, но с вариациями, пример арии да капо — Гендель «Lascia ch’io pianga«. В эпоху барокко вариаций было столько, что концертмейстер мог спокойно попить чаю, пока певец выводит колоратуры. Большая ария подразумевает медленную и быструю части (такие арии поют на последних турах вокальных конкурсов). Арии может предшествовать сцена, то есть речитативный эпизод. Примеры арий из опер: Ария Каварадосси «E lucevan le stelle» Пуччини, ария Хозе с цветком из «Кармен», две арии Церлины из «Дон Жуана» Моцарта, ария дона Базилио о клевете из «Севильского цирюльника» и т. д.
Часто главному герою дается две арии, вторая из них может быть менее развернутой. В таком случае номер называется «ариозо«. Он более насыщенный, чем речитатив, тоже может быть с легкостью изъят из оперы для исполнения на концерте. Чаще всего ариозо описывает реакцию героя на происходящие события. Так же ариозо встречается в больших дуэтных сценах (сцена Виолетты и Жермона из «Травиаты»). Примеры у Чайковского: ариозо Германа «Прости, небесное созданье«, ариозо Ленского «Я люблю вас«, ариозо Онегина «Ужель та самая Татьяна» и т. д.
Близко по значению к ариозо примыкает ариетта. Она имеет более простую мелодию песенного характера. Ариетта распространена во французской комической опере. Например, ариетта Лоретты Гретри, ариетта Снегурочки «Слыхала я» и др.
Особое место занимает каватина. Раньше это была самая первая ария героя, «выходная», то есть пелась сразу при выходе на сцену. Позже каватиной стали называть арии со свободным построением. Примеры: каватина Валентина из «Фауста» Гуно, каватина Розины и каватина Фигаро (обе очень популярные) из «Севильского цирюльника» Россини.
В операх встречаются и романсы. Вообще, романс — это основной жанр камерной музыки, но вспомним романс Дубровского из оперы Направника, романс Сантуццы из «Сельской чести», романс Неморино из «Любовного напитка». Чаще темой романса является любовное переживание.
Баркарола (от итальянского слова «барка» — лодка) — это песня венецианских гондольеров, ее мелодия словно «качает» слушателя на волнах. Самый известный пример — дуэт-баркарола «Belle nuit» из оперы «Сказки Гофмана» Оффенбаха.
К серенаде композитор прибегает тогда, когда герой оперы поет под окном возлюбленной. Примеры: Серенада Смита из «Пертской красавицы» Бизе, серенада Мефистофеля Гуно (эта серенада сатирическая).
Канцоной в итальянской опере называется лирическая песня. Самая известная песня — «Сердце красавицы» из оперы Верди «Риголетто», еще примеры: канцона Альмавивы из «Севильского цирюльника», канцона Керубино «Voi che sapete«. Канцонетта — это небольшая канцона, как, например, канцонетта де Грие из оперы «Манон Леско» Пуччини.
Для показа героического, боевого, волевого характера героя используется кабалетта. Она небольшая по размеру, быстрая и ритмичная. Такова кабалетта Манрико «Di quella pira» из «Трубадура», каватина и кабалетта Нормы или Эльвиры у Беллини. Правда, кабалетту Манрико называют так же стреттой Манрико, что означает ускорение темпа музыки и действия в финале произведения.
Вот основные виды оперных арий, зная которые, вы правильно объявите свое выступление на концерте или перед жюри.
Источник: vocal-noty.ru