Ювелирные украшения как искусство

Ювелирное искусство (гол. Juwelier, ст.-фр. joel, лат. jocellum — « драгоценность ») – вид декоративно-прикладного искусства, изготовление личных украшений и предметов быта из драгоценных металлов, камней, других драгоценных и полудрагоценных материалов. К драгоценным металлам относится золото, платина, серебро и их сплавы. Список драгоценных камней более обширен; самые известные (и дорогие) – это бриллианты, рубины, изумруды, сапфиры, александриты, а также природный жемчуг. Художник, работающий в области ювелирного искусства, использует свой талант и навыки для того, чтобы создать новые совершенные формы изделий, призванные подчеркнуть индивидуальность и значимость их владельцев.

Ювелирные украшения известны с незапамятных времен, это, пожалуй, наиболее интересные и сохранные артефакты, которые находят при раскопках археологи. Материалы, из которых создавали украшения в древности, были самыми различными: ракушки и кораллы, полудрагоценные камни и янтарь, драгоценные металлы, стекло, эмаль. Многие украшения — броши, заколки, пряжки — изначально имели функциональное назначение, которое со временем превратилось в декоративное. Произведения ювелирного искусства были предметами, связанными со статусом владельца, его принадлежностью к социальной группе, что выражалось в материалах, форме, узорах.

ЮВЕЛИРНОЕ ИСКУССТВО В АЗЕРБАЙДЖАНЕ

Известно, что еще неандертальцы создавали украшения: бусы из раковин, яичной скорлупы, камня. В археологических находках периода верхнего палеолита – ожерелья и браслеты из кости, ягод, зубов, а также костяные резные булавки, которыми скрепляли одежду. Семь тысяч лет назад для украшений стали использовать медь.

Две тысячи лет спустя, в Древнем Египте для ювелирных украшений стали использовать золото – редкий по сравнению с другими металл, который хорошо поддавался обработке. Кольца, браслеты, кулоны, головные украшения, ритуальные предметы сопровождали знатных людей как при жизни, так и после смерти. Ювелирное искусство процветало в Ассирии, Месопотамии, художники изобретали новые техники: гравировку, перегородчатую эмаль, филигрань.

Ювелиры древней Греции в изготовлении украшений предпочитали штамповку и ковку драгоценных металлов и пайку деталей. Литье встречалось реже. Многие художники копировали драгоценности восточного происхождения, позже обнаружилось присутствие элементов римской культуры. Кулоны, подвески и серьги были преимущественно женским атрибутом, на долю мужчин оставались кольца и броши для одежды. Та же тенденция сохранилась у кельтов, которые добавили к мужским украшениям и драгоценное оружие.

В эпоху Ренессанса новые открытия, путешествия и торговые связи способствовали развитию ювелирного искусства, художники получили возможность работать с новыми драгоценными камнями, изучать новые техники и принципы создания украшений. Большим спросом у знати пользовались драгоценные камни в художественно исполненных оправах. Стали популярны драгоценные гарнитуры, состоявшие из нескольких предметов в едином художественном стиле.

ювелирные изделия своими руками: итальянское ювелирное искусство

Появился новый термин – «бижутерия», который обозначал украшения, выполненные из недрагоценных металлов и полудрагоценных камней. Этому способствовал рост среднего класса, который также хотел позволить себе украшения «по карману», а также изобретение промышленного производства украшений. Изделия, выполненные именитыми мастерами, были доступны лишь высшему классу, который имел возможность платить за эксклюзивность и исключительные художественные решения.

Сегодня ювелирные украшения, как и прежде – свидетельство статуса, но чаще — хорошего художественного вкуса, приверженности той или иной марке, часть модного образа. На фоне изобилия изделий, производимых промышленным способом, ювелирное искусство требует от художников постоянного совершенствования техники, работы над новыми образами, использования нетрадиционных материалов, оригинальности.

Известные ювелиры :
Франсуа Дезире Фроман-Мёрис, Чарльз Льюис Тиффани, Луи-Франсуа Картье, Рене Лалик, Карл Фаберже, Гарри Уинстон.

Источник: artchive.ru

Когда ювелирные изделия становятся искусством?

Когда ювелирные изделия становятся искусством? Мы поговорили с экспертами по драгоценным камням и ювелирным изделиям, чтобы выяснить это.

Есть художники, которые создают ювелирные изделия, а есть ювелиры, которые создают искусство – одно ли это и то же? Мы побеседовали с современными экспертами в области драгоценных камней и ювелирных изделий, чтобы выяснить это.

Ювелирное дело – это искусство или ремесло?

Этот вопрос приходит на ум, когда впервые знакомишься с работами Уоллеса Чана. Он создает ювелирные изделия; действительно, в его руках горная хрусталь оживает, а изумруды, сапфиры, жадеит, бриллианты превращаются в сверкающих цикад и бабочек в оправе из легкого титана.

Но эти единственные в своем роде изделия, такие очаровательные и технически сложные, не позволяют назвать Чана ювелирным дизайнером. Конечно, это должно быть искусством. Кроме того, репутация Чана как скульптора и художника привела его в Пекин, Базель и другие города. Его работы демонстрировались рядом с такими мэтрами, как Моне и Дега. Чан должен считать себя художником.

«На этот вопрос трудно ответить, – вежливо говорит он, – поскольку я всегда старался не загонять себя и то, что я делаю, в рамки. Все, чего я хочу, – это творить. Иногда я чувствую себя переводчиком, использующим цвета, формы, очертания и текстуры в качестве языка для передачи сообщений из Вселенной».

Брошь Self от Wallace Chan:

Это справедливая оценка, и она напоминает о других современных ювелирах, таких как Джоэл Артур Розенталь и Синди Чао, чьи творения выходят за рамки ремесла, и чьи украшения считаются музейными коллекционными предметами у понимающих людей. Розенталь стал первым ныне живущим ювелиром, чья персональная выставка прошла в нью-йоркском Метрополитен-музее, что, вероятно, проложило путь для других ювелиров, которые последовали его примеру.

Чан позже отметил еще одну веху, когда его работы были включены в постоянную коллекцию Британского музея (впервые для современного ювелирного художника), а совсем недавно брошь Peony Чао была включена в галерею Уильяма и Джудит Боллинджер в V Arpels, они будут гораздо меньше заинтересованы в украшениях, сделанных Пикассо или Дали. Клиент, владеющий несколькими картинами Пикассо или Дали, тоже не станет машинально набрасываться на ювелирное изделие, сделанное любым из художников, отмечает Редмэйн.

«Конечно, рынок ювелирных изделий этих художников существует, но он гораздо меньше и гораздо богаче, чем можно было бы ожидать», – говорит он.

Только в октябре прошлого года Phillips представил выставку-продажу «Новый модернизм» в сотрудничестве с Вивьен Беккер из Vivarium, на которой было представлено 27 лотов от 16 дизайнеров-модернистов 20-го и 21-го веков. Главным экспонентом выставки стала булавка 1930-х годов, созданная скульптором Александром Колдером, который изготавливал ювелирные изделия из латуни и серебра.

Среди других исключительных лотов – украшения Альдо Чипулло и Дин Вана, которые работали в компании Cartier в 1970-х годах и остались единственными двумя дизайнерами, которым было разрешено подписывать свои работы для Дома; а также лондонского дизайнера Эндрю Грима, который в период своего расцвета был фаворитом принцессы Маргарет и развивал бунтарский стиль ювелирного дизайна, органичный, характеризующийся грубой текстурой золота и использованием необработанных кристаллов.

Кулон Hand of the Heart от Aldo Cipullo (фото предоставлено аукционным домом Phillips):

Модернизм зародился в 1920 — 1930-х годах, а затем вновь появился в конце 1960-х годов, что было вызвано успехами в освоении космоса в тот период и тенденцией к футуристической моде, благодаря Куррежу, Пьеру Кардену и Пако Рабану. Сегодня наблюдается очередное возрождение, поскольку современные художники и дизайнеры находят вдохновение в стремительно развивающемся технологическом мире. Сейчас, как никогда ранее, мир искусства и ювелирного искусства, кажется, сталкивается.

«Такое ощущение, что ювелирные изделия обрели свою силу и гордо «стоят на ногах» как художественная форма, – говорит Редмэйн, – дизайнеры смело выражают себя через использование различных материалов, камней и концепций».

Сегодня наиболее влиятельными художниками-ювелирами являются те, кто создает нечто настолько непохожее на других, настолько подлинное и настолько свойственное их собственной индивидуальности, что, по словам Редмэйна, оно «выходит за рамки простых материалов, из которых оно состоит».

Кольцо Strangler от Studio Renn (фото предоставлено аукционным домом Phillips):

Таким образом, художественные украшения, по мнению Редмэйна, это не столько выбор материала, такого как золото или платина, или использование редких камней. В качестве примера он приводит Фабио Салини, дизайнера из Рима, на чьи украшения оказал большое влияние модернизм 1920-х годов, он вставляет бриллианты и жемчуг в углеродное волокно, чтобы создать очень яркий образ; или мумбайскую команду Studio Renn, дизайнеры которой – семейная пара – создали украшения из бетона.

Кольцо Strangler, созданное в сотрудничестве Studio Renn и архитектурной фирмы Material Immaterial Studio из Мумбаи, выполнено из бетона и укреплено органической структурой из бриллиантов и золота. Это творение обрабатывается кислотой, которая разрушает структуру, смягчая края, чтобы частично обнажить внутреннюю форму.

Но поговорите с другим специалистом по аукционам, и вы можете получить несколько иную интерпретацию художественных украшений. Аукционный дом Christie’s не делает различий между художниками, создающими ювелирные изделия, и ювелирами-художниками, заявляя, что «на аукционе мы удовлетворяем вкусы коллекционеров и потребности наших клиентов чаще всего по дизайну, видам камней и рыночному спросу». Вместо этого специалисты Christie’s будут обсуждать наилучший способ или категорию для выставления экспоната, что дает возможность «гибко» продавать ювелирные изделия художников на ювелирном аукционе или ювелирные произведения искусства на художественном аукционе.

Нельзя забывать, что некоторые из самых известных ювелиров всех времен были художниками в своем собственном праве, чья редкая способность сочетать исключительные камни с неповторимым мастерством вдохновила легионы дизайнеров на немыслимые ранее творения.

Пара сережек-клипс с опалом, сапфирами, изумрудами и бриллиантами от JAR (фото любезно предоставлено Sotheby’s):

Розенталь – более известный как JAR – один из них, по словам Реджин Нган, главы ювелирного отдела Sotheby’s в Азии. «Многие другие представители моей отрасли согласятся с тем, что JAR создал исключительные изделия, которые изменили ход развития ювелирного дизайна, – говорит она. – Его страсть к цвету, выбору камней и использованию материалов не имеет себе равных. Он очень тесно сотрудничал с одним или несколькими мастерами для создания задуманных им изделий, наводя мосты между искусством и ремеслом».

Что касается современных дизайнеров, Нган рекомендует современные изделия мюнхенского семейного ювелирного бренда Hemmerle, чьи единственные в своем роде изделия одновременно стильные и художественные. «Недавняя тема Hemmerle – овощи, что довольно необычно, но они привносят радость через цвета и драгоценные камни», – говорит Нган.

Анабела Чан – еще один новичок, которого она хотела бы выделить, отмечая, как тонко ювелир интегрирует природу в свой дизайн, одновременно женственный и молодежный.

Брошь Nature’s Jewels от Hemmerle jewellery:

В этой категории нет недостатка в азиатских художниках-ювелирах, говорит председатель Christie’s Jewellery Asia Вики Сек, которая была поражена работами, которые она встречала сезон за сезоном на протяжении более чем 20 лет. Сек классифицирует художественные украшения как «творения, которые поднимают дизайн на более высокий уровень, изделия, которые передают уникальную эстетику, необыкновенное мастерство, искусное использование материалов и которые могут удержать внимание зрителей».

«Эти ювелиры-художники продолжают двигаться вперед и совершенствовать свой дизайн, приобретая новые навыки и новые идеи использования различных камней для отражения их развивающегося созерцания мира», – говорит она.

Синди Чао и Уоллес Чан – одни из ее фаворитов, как и Эдмонд Чин, создавший прекрасные ожерелья для Boghossian, и Мишель Онг, которая каким-то образом превращает твердые драгоценные камни в нежные и неземные изделия для своего бренда Carnet.

Дизайн Эдмонда Чина для Boghossian (фото любезно предоставлено Christie’s):

Все согласны с тем, что художественные украшения должны быть пригодными для ношения. Действительно, Нган определяет художественные украшения как «выражение искусства через трехмерную форму, которую можно носить».

«Художник должен учитывать свой холст, а в ювелирном деле холст – это тело, – говорит она. – Хоть тело создает ограничения, я считаю, что оно также раскрепощает мастерство художника – в конце концов, когда изделие носят, его оценивают по практичности».

Источник: uvelirnoedelo.ru

История дизайна ювелирных украшений начиная со Средневековья

. Средневековая мода определила типы украшений: когда рукава стали шире и пышнее, браслеты стали ненужными; высокие воротники не позволяли серьги; плащи-накидки требовали броши; и высокие линии талии женских платьев сделали причудливые пояса необходимыми.

Подвески на портретах Гольбейна.

Фрагмент статьи «History of Jewelry in Fashion», автор Anna Beatriz Chadour-Sampson, автор многих книг о ювелирном деле. Перевод: shakko, выполнен в рабочих целях на бегу, особо не цепляйтесь, подбор картинок тоже мой.

(Вначале шел большой кусок про Древний мир, я его пропустила, можете почитать в источнике)
. В IV веке Римская империя оказалась в упадке. Христианство, позже одобренное Константином Великим, породило свою иконографию ювелирных украшений, с символикой новой религии, которая, однако часто маскировалась, чтобы защитить владельца от преследований. Ранние христиане, судя по всему, носили кольца как знак свой веры, на которых были выгравированы символы и анаграммы Христа Спасителя.

В IV веке империя переместилась в Восточный Византиум со столицей в Константинополе, и продолжала существовать как успешная церковная и торговая сила до 1453 года, когда город пал после штурма османов. Там работали греческие ювелиры, и их влияние (несмотря на то, что стиль был продолжением позднеримской манеры, любившей драгоценные камни и яркие цвета) сказывалось в большем внимании к замысловатой работе с золотом, украшавшимся эмалью или чернью.

Византийские серьги, ок. 600

Законы, если не считать разрешения на ношение бронзовых позолоченных или золотых колец, были строги относительно того, кто может носить украшения. Изумруды, жемчуг и сапфиры — были прерогативой императора, и все великолепие их вышитых и украшенных драгоценностями царственных одежд запечатлено в мозаиках церквей Равенны — сложные ожерелья, серьги, броши. Иконография (видимо, рисунков на драгоценностях — пер.), тем не менее, носила религиозный характер, и почитание святых подтверждалось использованием наперсных крестов с изображением их фигур снаружи и мощами внутри.

«Архангел Михаил», 10-й век

Художественное взаимопроникновение Византии и растущего мира ислама становится очевидным в украшениях с середины VII века. Византийское и исламское влияние также можно увидеть в украшениях германских племен, которые оккупировали большую часть Европы после падения Западной Римской империи. Германские племена покупали золото в Византии. Драгоценности этих кочевых племен, как правило, ограничивались основными простыми типами и были более функциональными в применении. Но, тем не менее, они служили демонстрацией статуса своего обладателя.

Мужчины носили пояса, пряжки, перевязи для мечей. И мужчины, и женщины нуждались в застежках для нарядов — и такие находят — в виде дисковых брошей (дисковых фибул) или фибул (другой формы).

Дисковые фибулы Меровингов.

Различные племена демонстрируют отличающиеся стили работы своих ювелиров, но общих элементов у них все-таки было много — например, изощренность применяемых техник, обильная гравировка, использование инкрустаций гранатами, сложность узоров (включая стилизации на звериную тему).

Чем дальше в Средние века, тем больше растут города, тем сильней становится значение купеческого сословия, которое становится новой экономической силой. Церковь становится не такой могущественной, а общество — более мирским (Реально? Это она о каком периоде Средних веков так пишет? — пер.) С ростом среднего класса и увеличением благосостояния населения законы о привилегиях становятся все более необходимыми (с точки зрения аристократии — пер.) — они ограничивают число тех, кому разрешено носить украшения.

Мода на одежду предопределяла типы драгоценностей: когда рукава стали шире и пышней, то ненужными стали браслеты-запястья; с высокими воротниками не получалось носить серьги, а плащи с запахом требовали брошей-застежек. Высокие талии женских нарядов породили причудливые пояса. Перстни-печатки или кольца с любовными посланиями были очень популярными.

Брошь-амулет, Англия, 13 век

Возникновение европейского стилей драгоценностей

К XII-XIII векам в ювелирном деле сформировался интернациональный стиль. Формы огранки камней, дизайн и узоры демонстрируют удивительное сходство в Англии, Франции, Дании, Германии и Италии. Этот феномен предположительно можно объяснить торговыми маршрутами и тем, что камни ввозились с Ближнего и Дальнего Востока. Законодателем моды (трендсеттером) в производстве ювелирных изделий был Париж, а торговлю контролировали порты Венеции и Генуи. Надписи на ювелирных изделиях — в основном на латыни или французском, международном языке придворных.

Стрельчатые арки и ажурность архитектуры готики, натуралистические изображения листвы — скульптуры готики, и краски ее витражей — все это отражалось в ювелирных украшениях той эпохи. Религиозная и языческая иконография часто переплетались: кабошоны камней одновременно были и амулетами, и отражали Божественность, а изображения святых служили оберегами (как и появившаяся манера использовать кости святых в подвесках-реликвариях). Цветы и звери декорируют средневековые украшения, став символом веры, а любимым камням античной эпохи дали христианские толкования.

Средневековые украшения, по большей части, имели значения геральдическое, религиозное, или обозначанющее куртуазную любовь.

Корона принцессы Бланш, ок. 1370

Дата перехода к Возрождению в Европе в разных странах варьируется: в Италии оно началось в XV веке, а по всей Европе распространилось в XVI веке. Первостепенное значение в рождении заново культур Греции и Рима имела Италия, где находили так много античных произведений. А в Северной Европе готические стили сохранялись гораздо дольше. Рост экономики (в частности, торговли шерстью и банковского дела) привел к тому, что многие богатые семьи Италии стали покровителями искусств. Ювелиры обрели собственные узнаваемые имена (перестали быть анонимами).

Подвеска. Мастер Daniel Mignot (active 1593-1616)

В XV веке Флоренция и бургундский двор задавали тренды в одежде и украшениях; в XVI-XVII веках гегемоном Европы, с колониями по всему миру, стала Испания — что привело к доминированию испанского стиля в одежде и украшениях. Религиозные войны бушевали в Европе, и ремесленник часто были вынуждены переезжать из одной страны в другую, от одного богатого двора к другому, недавно возникшему и расцветшему. Ювелирное искусство опять превратилось в интернациональный стиль со слабыми региональными различиями.

Другим фактором, который этому способствовал, стало изобретение книгопечатания, гравюры. Художники делали рисунки орнаментов, их печатали и распространяли по всей Европе и даже в испанские колонии, где ювелирные изделия, таким образом, изготавливались вполне «по сегодняшней европейской моде».

Испания, между 1575 и 1650

Мужчина украшенный

Неоспоримый факт — мужчины украшали себя больше, чем женщины. Функцией драгоценностей была демонстрация статуса — что документируют бесчисленные портреты той эпохи. Купеческое сословие в них подражало моде аристократов, однако используемое сырье, как правило, было подешевле.

Тяжелые, тусклые ткани — бархат, парча с золотой вышивкой, покрывались ювелирными украшениями, которые либо пришивались в качестве орнамента, либо просто надевались сверху. Представители обоих полов носили подвески, и изображения на них могли быть и религиозными, и из классической мифологии. А еще экзотические птицы, цветы, морские сюжеты — они также являлись символами статуса и нового богатства.

Подвески на портретах Гольбейна, коллаж мой.

Драгоценные камни на теле носили в открытой оправе, чтобы они более эффективно действовали как амулеты. Тяжелые золотые цепи, которые мужчины и женщины носили на груди или поперек плеча каскадами, в несколько нитей, были несомненно признаком социального ранжирования. Мужскими украшениями были драгоценности на шляпах, пояса, пуговицы.

Возродился античный обычай носить браслеты парами, а также вернулась мода на серьги. Женщины обвивали свои талии декоративными цепями, на которые часто подвешивали помандеры или подвески.

Помандер (куда помещались благовония) на картине 1518 года

Запоны для одежды украшали уже неимоверно украшенные ткани. Чтобы подбавить яркости, драгоценности Ренессанса часто украшали полихромной эмалью в сочетании с драгоценными камнями — рубинами из Бирмы, изумрудами из Нового Света, жемчуга из Венесуэлы и индийскими алмазами. На смену полированным кабошонам Средневековья пришла огранка таблицей (table cut). Благодаря возрождению традиций античности было воскрешено искусство резьбы камей, и Северная Италия стала важным центром этого гранильного ремесла.

С. Италия, ок. 1500

Источник: shakko.ru